Educación Física y expresión corporal

Actualmente, la Educación Física tiene como objetivo propio del área desarrollar y mejorar las conductas motrices del alumnado (Parlebas, 1967). En este sentido, el constructo de conducta motriz se refiere al movimiento subjetivo de cada persona, que incluye sus experiencias, emociones, vivencias, etc., que contribuyen a definir a cada persona. Al respecto, en la asignatura se trabaja con el alumnado de cara a su desarrollo personal a través del movimiento. De este modo, el movimiento se convierte en el instrumento por el que, de forma operativa, se contribuye al desarrollo integral de las personas a un nivel cultural, social y hasta político.

Según el currículo para la eso, las prácticas artístico-expresivas juegan un rol crucial en el desarrollo de las conductas motrices de los aprendices (Decreto número 220/2015, del 2 de septiembre del 2015). A través de estas, se persigue que el alumnado adquiera los recursos para ser capaz de comunicarse, en el más amplio sentido de la acción de comunicar, sin renunciar para ello a la expresión corporal. En línea con la normativa estatal, los textos al respecto de las diferentes comunidades autónomas suelen incluir un bloque de contenido vinculado con la expresión corporal y la danza, como referencia explícita a la relevancia de este (ver, por ejemplo, el Decreto número 220/2015, del 2 de septiembre del 2015 de la Región de Murcia).

La práctica de actividades musicales, acompañadas de danza en las clases de Educación Física, suele ocasionar resultados positivos en la motivación del alumnado, independientemente de la edad (Amado et al., 2016; Esteve y López, 2014; Gibbs et al., 2016). En este sentido, los estudios precedentes han demostrado la influencia dispar del enfoque de enseñanza (Amado et al., 2016), la novedad que supone la enseñanza de la danza (Esteve y López, 2014), y estrategias pedagógicas para enseñar la danza (Gibbs et al., 2016). A pesar de lo anterior, la mayoría de las prácticas innovadoras de la expresión corporal, que recoge la bibliografía académica, son referentes al uso de las tecnologías de la información y la comunicación, prácticas de acrosport, lindubs o flashmobs; con resultados normalmente positivos (Carriedo et al., 2020).

En este sentido, el Hip Hop se ha reconocido como herramienta educativa (Rodríguez y Iglesias, 2014). Concretamente, Rodríguez e Iglesias (2014) estudiaron la cultura Hip Hop mediante las letras de las canciones de rap y reflexionaron sobre sus posibilidades como herramienta educativa.

La cultura del Hip Hop

La cultura Hip Hop se define como movimiento artístico, musical y cultural, aunque también como filosofía o cultura en sí misma. Esto es debido a que va más allá de una estética o moda, debido a que todo grupo de personas involucrados con la cultura Hip Hop tiene una singular manera de ver, pensar y hacer sus vidas (Berti, 2010; Rodríguez y Iglesias, 2014; Sedeño, 2015). El Hip Hop nació en el Sur del Bronx (Nueva York), a finales de los años 60, aunque no fue hasta finales de los años 70 que se aceptó como movimiento social. Luego, en 1979, se consolidó oficialmente como género cultural tras el primer éxito comercial (Cooper, 1999; Reyes, 2003; Serrano, 2015).

Fue gracias al interés de los medios de comunicación que el Hip Hop tuvo gran expansión mundial en poco tiempo (Cooper, 1999; Reyes, 2007; Rodríguez e Iglesias, 2014; Sedeño, 2015). Sin embargo, la imagen comercial que aún se promueve con respecto a la cultura es negativa y discriminatoria, trasluciendo unas ideas acerca de las ropas, actitudes, músicas, bailes y pinturas que tienen poco que ver con lo que realmente es el Hip Hop (Reyes, 2003; Reyes y El Chojín, 2010; Rodríguez e Iglesias, 2014). Por el contrario, pocas veces se difunden sus características identitarias, como son la fraternidad, creatividad, afán de superación y la honestidad (Rodríguez y Iglesias, 2014). Esta filosofía tiene el lema de paz, amor, unidad (entre las personas y los elementos) y pasarlo bien, por el cual todavía se identifica a las verdaderas personas unidas e integradas en la misma (Berti, 2010).

En general, es aceptado que el Hip Hop se compone de cuatro elementos: Rap (música), djing (música), Graffiti (pintura) y Bboying/Break Dance (baile). La música Hip Hop es resultado de la mezcla y fusión de otras músicas, como por ejemplo la música Soul, Funk o RyB (Reyes, 2003; Rodríguez e Iglesias, 2014). Dos agentes son los responsables de la realización musical. Por un lado, están los Disc Jockeys (DJS) que se encargan de mezclar las canciones con el ritmo característico del Hip Hop (que suele ser el cuatro por cuatro). Por otro lado, pero conjuntamente, están los Maestros de Ceremonias (MCS), también conocidos como raperos o rappers. Los MCS aportan sus rimas rapeando dentro del ritmo que reproduce el dj (Sedeño, 2015).

Aquellos que pintan Graffiti son llamados writers (escritores) o grafiteros. El graffiti es el arte de pintar con botes de aerosol encima de espacios urbanos. Estos empezaron con la disciplina de Tagging, que consiste en firmar el apodo o el nombre en la pared. Posteriormente, el tamaño, los colores y las formas se desarrollaron hasta considerarse el arte del Graffiti (Berti, 2010; Sedeño, 2015).

El Bboying, conocido comercialmente como Break Dance, es un baile acrobático realizado en el suelo. Las primeras batallas de baile surgieron para sustituir las peleas callejeras que se formaban en los barrios de Nueva York (Sedeño, 2015). Aquellos que bailan Break Dance se llaman Bboys -en el caso de ser hombres- o Bgirls -en el caso de ser mujer- (Cooper, 1999; Sedeño, 2015). En cada elemento existen grupos formados por varios integrantes que suelen compartir la misma filosofía y puntos de vista referentes al Hip Hop. Estas agrupaciones son conocidas como crews. Uno de los objetivos de las crews es establecer una identidad característica en conjunto, así como apoyarse y compartir conocimientos entre los miembros de una misma crew (Sedeño, 2015).

Características del Break Dance

Las palabras Bboy y Bgirl tienen origen de Break Boy y Break Girl, es decir, el chico o chica que rompe (breaks) el ritmo con el movimiento de su cuerpo (Reyes, 2003). El nombre de “los chicos del break” fue el apodo que le otorgaron los djs neoyorquinos cuando vieron a los niños contorsionarse en los parques de la ciudad con los ritmos que producían con su música (Reyes, 2003).

Aunque por entonces todavía no estaba muy clara la teoría de todos los pasos, ya en aquel momento se definió los tipos de movimientos con cuatro nombres clasificatorios: Top Rock, Footwork, Power Move y Freeze. Top Rock son todos aquellos movimientos que se realizan levantados, en posición erguida, como ocurre en el baile de salsa o la danza clásica. Footwork hace referencia a los movimientos practicados en el suelo, apoyándose de las manos y moviendo los pies alrededor del eje de tu cuerpo. Power Move son movimientos explosivos, propios de acrobacias en el aire o suelo. Algunos de estos movimientos son parecidos a los de la gimnasia deportiva. Freeze son las posiciones paradas que se realizan durante el baile. Por lo general, se termina de bailar con un freeze para hacer entender que has acabado tu baile.

La manera en la que se practica el baile es por batallas, ya sean individuales o de forma coreográfica en grupo. Los dos equipos deben estar enfrentados con un espacio entre ellos, que es donde cada uno de los miembros demostrará sus habilidades artísticas. La crew ganadora de la batalla será la que haya realizado mejores movimientos, más originales y con estilo propio dentro del ritmo musical.

Participantes y contexto

El proyecto está diseñado para llevarse a cabo en un centro público de eso situado en la Comunidad Autónoma de la Región de Murcia. Concretamente, se ubica dentro de la periferia urbana de la ciudad. Este centro educativo se caracteriza por las altas tasas de alumnado de otras nacionalidades diferentes a la española (40 %). En concreto, la propuesta se plantea para el grupo de tercero de eso. Dicho grupo cuenta con 30 discentes, 12 de los cuales son de nacionalidad sudamericana. De ellos, cinco han ingresado en el centro en el segundo trimestre. Las clases de Educación Física para este grupo están distribuidas a lo largo de dos sesiones semanales, con una duración de 50 minutos cada una. La propuesta se encuentra ligada al bloque de contenidos de Actividades físicas artístico-expresivas (Decreto número 220/2015, del 2 de septiembre del 2015).

Diseño

Se trata una propuesta cuasiexperimental, sin grupo control de carácter piloto. La intervención se basa en enseñar los fundamentos básicos del break dance, a la vez que el alumnado se adentra en la cultura musical que lo envuelve y en los conceptos que lo forman. Los aprendices son dividi dos en grupos o crews, dentro de los que trabajan en el marco de toda la intervención. La propuesta tiene una duración de seis semanas, a lo largo de las que se desarrollan 12 sesiones. En estas, se abordan los contenidos mostrados en la tabla 1. Cada contenido es trabajado durante dos sesiones con secutivas, salvo en las últimas dos sesiones, destinadas a la elaboración y práctica de la coreografía y batalla, respectivamente. Previo al comienzo de la primera sesión del proyecto, así como tras la última sesión, se realiza la evaluación inicial y final, respectivamente. Además, en la última sesión, se celebra un minicampeonato, donde las crews creadas en clase demuestren lo aprendido a sus compañeros en forma de batalla de baile.

El enfoque comunicativo es la perspectiva de referencia para llevar a cabo la metodología. En este sentido, la interacción en el aula parte de la base de que existen varias culturas, pero ninguna de ellas es superior a las demás. Operativamente, se introduce al alumnado en las bases de la cultura Hip Hop, se fomenta el debate y se posibilitan las situaciones de diálogo y consenso entre el alumnado que forma parte de cada crew.

Sesiones 1 y 2. Bases fundamentales del top rock e introducción a la cultura Hip Hop

En las siguientes dos sesiones, se produce la primera toma de contacto con la cultura Hip Hop. Antes de comenzar a bailar, se explican algunos fundamentos básicos del baile, tales como: la orientación del cuerpo, la postura corporal, las alturas de posición, el espacio escénico o el bounce (cómo mover el cuerpo con el ritmo interior que se siente intrínsecamente mientras suena, o no, el ritmo de la música, tabla 2).

Sesiones 3 y 4. Bases fundamentales del footwork y práctica de top rock

Antes de realizar los pasos de footwork correctamente, se debe aprender la posición correcta de las manos en el suelo y la simetría que deben tener los pasos en el espacio que se utilice (ver videos en tabla 3). Para entender las orientaciones y simetría de los pasos, cada estudiante debe marcar una cruz con cinta de carrocero en el suelo. La distancia de los segmentos será de 50 cm, aproximadamente. Además, en esta segunda semana, se repasa lo aprendido en top rock la semana anterior. También se recuerda y proporciona nueva información referente a la música, ritmo y significado de algunas letras o expresiones (tabla 3).

Sesiones 5 y 6. Bases fundamentales del freeze y práctica de top rock y footwork

Antes de conocer cómo se hacen los freezes, se practica la transición del pino, ya que este ejercicio prepara los músculos de las extremidades superiores para el peso e impacto del cuerpo sobre ellos. Quizá la práctica del freeze sea la que más paciencia y fuerza requiera de los conceptos a trabajar. Para evitar lesiones, se utiliza una colchoneta por parejas. Además, tanto el uso de colchoneta como la presencia del compañero, proporciona seguridad y confianza en la realización de estas prácticas. También, en esta tercera semana, se recuerdan los pasos practicados en otras sesiones sobre top rock y footwork. Además, se trabajará sobre nuevos conceptos relacionados con la música y la cultura Hip Hop (tabla 4).

Sesiones 7 y 8. Bases fundamentales de enlaces entre pasos con distinta altura y sumario de todo lo aprendido

Lo que se aborda nuevo esta semana son las múltiples posibilidades de pasos que se pueden realizar como fruto de enlazar los pasos conocidos en las sesiones anteriores. Esta semana también se realiza el trabajo por parejas, aunque también se posibilite el trabajo de manera individual. No obstante, el alumnado tiene autonomía para trabajar individualmente o en grupo (tabla 5). de esta manera, se comienza a introducir la costumbre de tener en cuenta la opinión de un compañero de crew y la iniciación a la autocrítica.

Sesiones 9 y 10. Formación de crews, conocimientos básicos de la música Hip Hop y elaboración de coreografía

En la quinta semana, se forman las crews que llevarán a cabo la coreografía final. Con la intención y objetivo de fomentar la integración, estos grupos se realizan por el profesorado, incluyendo alumnado de varias nacionalidades. Al ser una clase con 30 estudiantes, los grupos deben contar con cinco integrantes cada uno. Cada grupo representa un barrio de Nueva York, debido a que fue allí donde comenzó la cultura Hip Hop y, por ende, el break dance. Los seis barrios de las seis crews a formar son: South Bronx, North Bronx, Manhattan, Queens, Brooklyn y Staten Island. Una vez conocidos los barrios de grupo, estos deben informarse de canciones y artistas de la cultura Hip Hop nacidos en su barrio. De este modo, deben seleccionar la canción para la coreografía final, un nombre y unos colores de vestimenta identificativos para el grupo. Para comenzar con la creación de coreografías de break dance, se les deja el tiempo de las sesiones para su práctica y realización. El profesorado debe supervisar, dar consejo y aclarar las dudas que tengan las crews (tabla 6).

Sesión 11. Elaboración y práctica de coreografía

La última sesión antes del campeonato se emplea como refuerzo y para ultimar los detalles de la coreografía (tabla 7). Es posible que con el tiempo de clase no sea suficiente para que las crews consigan una coreografía ideal. Por este motivo, se les posibilitará tiempo durante el recreo para que practiquen durante la quinta y sexta semana. Igualmente, podrán trabajar fuera del horario lectivo.

Sesión 12. Campeonato “Batalla Final”

La realización del campeonato Batalla Final es la última sesión de la propuesta. Implica que cada crew represente una coreografía grupal. Antes de comenzar su coreografía, cada crew debe hacer una presentación de su barrio, dando información acerca de este, las razones de la elección de su nombre, canción y colores identificativos. Además, durante la presentación se debe añadir información acerca de los propios integrantes de la crew. Luego, el alumnado vota a las crews que más le haya gustado. Como resultado, las dos crews más votadas deben enfrentarse en una batalla final.

Para la actuación en la batalla final, cada uno de los miembros debe realizar una salida individual, alternando las dos crews. Después de la batalla final, de la misma manera que se deciden las crews que se enfrentan en la batalla final, se realiza otra votación para decidir la crew ganadora. En el caso de haber empate, un miembro de cada crew realiza una salida de baile, representando a todo su grupo, y se vuelve a votar, hasta que se decide una crew ganadora. Por último, se vota para el reparto de todos los premios. Se establecen seis premios (uno para cada grupo): 1) la crew más creativa, 2) la crew mejor compenetrada, 3) la coreografía más original, 4) la crew con mejor vestuario, 5) la coreografía con mejor música y 6) la mejor crew del campeonato, por englobar todo lo anterior (tabla 8).